Como fazer música: 15 etapas (com fotos)

2024 Autor: Gilbert Ryder | [email protected]. Última modificação: 2023-12-16 17:40

Os primeiros instrumentos musicais conhecidos foram flautas de osso encontradas há 35.000 anos, embora o homem possa ter cantado muito antes disso. Com o tempo, desenvolveu-se uma compreensão de como os sons musicais são feitos e organizados. Embora você não precise saber tudo sobre escalas musicais, ritmos, melodias e harmonias para fazer música, a compreensão de alguns dos conceitos o ajudará a apreciar e fazer música melhor.

Passos

Parte 1 de 4: sons, notas e escalas

Etapa 1. Entenda a diferença entre “tom” e “nota

” Esses termos descrevem qualidades de sons musicais. Embora os termos estejam relacionados, eles são usados de maneira um pouco diferente.

“Pitch” refere-se à sensação de baixeza ou altura associada à frequência de um determinado som. Quanto maior for a frequência, mais alto será o tom. A diferença de frequência entre quaisquer dois tons é chamada de "intervalo".
“Nota” refere-se a um determinado intervalo de tons. A frequência padrão para A acima do dó médio é 440 hertz, mas algumas orquestras usam um padrão ligeiramente diferente, como 443 hertz, para produzir um som mais brilhante.
A maioria das pessoas pode determinar se uma nota soa bem quando tocada contra outra nota ou em parte de uma série de notas em uma peça musical que reconhecem. Isso é chamado de "tom relativo". Algumas pessoas possuem “pitch absoluto” ou “pitch perfeito”, que é a habilidade de identificar um dado pitch sem ouvir um pitch de referência.

Etapa 2. Entenda a diferença entre “timbre” e “tom

” Esses termos sonoros são geralmente usados com respeito a instrumentos musicais.

“Timbre” refere-se à combinação de tons primários (fundamentais) e secundários (sobretons) que soam sempre que um instrumento musical toca uma nota. Quando você dedilha a corda E grave de um violão, na verdade ouve não apenas a nota E grave, mas também tons adicionais em frequências que são múltiplos da frequência E grave. A combinação desses sons, que também são chamados coletivamente de “harmônicos”, é o que diferencia o som de um instrumento de outro tipo de instrumento.
“Tom” é um termo um pouco mais nebuloso. Refere-se ao efeito que a combinação de harmônicos fundamentais e secundários tem no ouvido do ouvinte. Adicionar mais harmônicos agudos ao timbre de uma nota produz um tom mais brilhante ou mais nítido, enquanto amortecê-los produz um tom mais suave.
“Tom” também se refere a um intervalo entre duas notas, também chamado de passo inteiro. Metade desse intervalo é chamado de “semitom” ou meio-tom.

Etapa 3. Atribuir nomes às notas

As notas musicais podem ser nomeadas de várias maneiras. Dois métodos são comumente usados na maior parte do mundo ocidental.

Nomes de letras: notas de certas frequências recebem nomes de letras. Em países de língua inglesa e holandesa, as letras vão de A a G. Em países de língua alemã, no entanto, "B" é usado para a nota B-bemol (a tecla de piano preta entre as teclas A e B), e um “H” é usado para representar a nota B-natural (a tecla B branca em um piano).
Solfejo (também chamado de "solfejo" ou "solfeo"): este sistema, familiar aos fãs de ‘‘A Noviça Rebelde’’, atribui nomes de uma sílaba às notas de acordo com suas posições sucessivas dentro de uma escala. O sistema original desenvolvido pelo monge do século 11, Guido d'Arezzo, usava "ut, re, mi, fa, sol, la, si", tirado das primeiras palavras de versos em um canto a São João Batista. Com o tempo, "ut" foi substituído por "do", enquanto alguns encurtam "sol" para "so" e cantam "ti" em vez de "si". (Algumas partes do mundo usam os nomes de solfejo da mesma forma que o mundo ocidental usa os nomes das letras.)

Etapa 4. Organize uma série de notas em uma escala

Uma escala é uma série de intervalos sucessivos entre tons, de modo que o tom mais alto tem o dobro da frequência do tom mais baixo. Este intervalo é denominado oitava. Estas são algumas das escalas comuns:

Uma escala cromática completa usa 12 intervalos de meio-tom. Tocar uma oitava no piano do dó central ao dó acima do dó médio, soando todas as teclas brancas e pretas entre elas, produz uma escala cromática. Outras escalas são formas mais restritas desta escala.
Uma escala maior usa sete intervalos: o primeiro e o segundo são etapas inteiras; o terceiro é meio passo; o quarto, quinto e sexto são passos inteiros; e o sétimo é meio passo. Tocar uma oitava no piano do dó central ao dó acima, soando apenas as teclas brancas, é um exemplo de escala maior.
Uma escala menor também usa sete intervalos. A forma mais comum é a escala menor natural. Seu primeiro intervalo é um passo inteiro, mas o segundo é um meio-passo, o terceiro e o quarto são passos inteiros, o quinto é um meio-passo e o sexto e o sétimo são passos inteiros. Tocar uma oitava no piano de lá abaixo do dó médio a A acima do dó médio, soando apenas as teclas brancas, é um exemplo de escala menor natural.
Uma escala pentatônica usa cinco intervalos. O primeiro intervalo é um passo inteiro, o próximo é três meios-passos, o terceiro e o quarto são cada um passo inteiro, e o quinto é três meios-passos. (Na tonalidade de Dó, isso significa que as notas usadas são Dó, Ré, Fá, Sol, Lá e Dó novamente.) Você também pode tocar uma escala pentatônica tocando apenas as teclas pretas entre Dó médio e Dó agudo em um piano. Escalas pentatônicas são usadas na música africana, asiática e nativa americana, bem como na música folclórica.
As escalas maiores são mais edificantes e alegres, enquanto as escalas menores têm um tom mais sombrio e sério.
A nota mais baixa na escala é chamada de "tom". Normalmente, as músicas são escritas de forma que a última nota da música seja a nota chave; uma música escrita na tonalidade de Dó quase sempre termina na nota C. Um nome de tonalidade normalmente também inclui se a música é tocada em uma escala maior ou menor; quando a escala não é nomeada, é entendida como a escala maior.

Etapa 5. Use sustenidos e bemóis para aumentar e diminuir o tom das notas

Os sustenidos e bemóis aumentam e diminuem os tons das notas em meio tom. Eles são necessários ao tocar em tons diferentes de dó maior ou lá menor para manter os padrões de intervalo das escalas maiores e menores corretos. Os sustenidos e bemóis são indicados em linhas de música escrita com símbolos chamados de acidentes.

Um símbolo de sustenido, que se parece com a hashtag (#), colocado na frente de uma nota aumenta seu tom em meio tom. Nas tonalidades de Sol maior e Mi menor, o Fá é aumentado em meio tom para se tornar o Fá sustenido.
Um símbolo bemol, que se assemelha a um “b” minúsculo pontudo, colocado na frente de uma nota diminui seu tom em meio tom. Nas tonalidades de Fá maior e Ré menor, o Si é diminuído em meio tom para se tornar um Si bemol.
Por uma questão de conveniência, as notas que devem ser sempre sustenidas ou bemoladas em uma tonalidade específica são indicadas no início de cada linha na pauta de música na armadura de clave. Os acidentes, então, devem ser usados apenas para notas fora do tom maior ou menor em que a música foi escrita. Quando os acidentes são usados dessa forma, eles se aplicam apenas às ocorrências daquela nota antes da linha vertical que separa os compassos.
Um símbolo natural, que se parece com um paralelogramo vertical com uma linha vertical se estendendo para cima e para baixo de dois de seus vértices, é usado na frente de qualquer nota que seria de outra forma acentuada ou bemol para mostrar que não deveria estar naquele lugar na música. Os naturais nunca aparecem em assinaturas de tom, mas um natural pode cancelar o efeito de um sustenido ou bemol usado dentro de uma medida.

Parte 2 de 4: batidas e ritmos

Etapa 1. Compreenda a diferença entre “batida”, “ritmo” e “tempo”

” Esses termos também estão intimamente relacionados.

“Batida” refere-se a uma pulsação individual de música. Uma batida pode ser uma nota reproduzida ou um período de silêncio denominado pausa. Uma batida também pode ser dividida entre várias notas, ou várias batidas podem ser atribuídas a uma única nota ou pausa.
“Ritmo” refere-se a uma série de batidas ou pulsos. O ritmo é determinado pela forma como as notas e pausas são organizadas em uma música.
“Tempo” refere-se à velocidade ou lentidão com que uma música é tocada. Quanto mais rápido o tempo, mais batidas são reproduzidas por minuto. “The Blue Danube Waltz” tem um andamento lento, enquanto “The Stars and Stripes Forever” tem um andamento mais rápido.

Etapa 2. Grupo bate em compassos

As medidas são grupos de batidas. Cada compasso tem o mesmo número de batidas. O número de batidas de cada compasso é indicado na música escrita com uma fórmula de compasso, que se parece com uma fração sem uma linha separando o numerador e o denominador.

O número superior indica o número de batidas por compasso. Esse número geralmente é 2, 3 ou 4, mas pode ser tão alto quanto 6 ou mais.
O número inferior indica que tipo de nota obtém uma batida completa. Quando o número inferior é 4, uma semínima (parece um oval preenchido com uma linha anexada) obtém uma batida completa. Quando o número inferior é um 2, uma meia nota (parece um oval aberto com uma linha anexada a ela) obtém uma batida completa. Quando o número inferior é um 8, uma colcheia (parece uma semínima com uma bandeira anexada) obtém uma batida completa.

Etapa 3. Procure a batida estressada

Os ritmos são determinados de acordo com quais batidas no compasso são acentuadas (acentuadas) e quais não são (não acentuadas).

Na maioria das músicas, a primeira batida, ou tempo forte, é enfatizada. As batidas restantes, ou batidas positivas, não são enfatizadas, embora em uma medida de quatro batidas, a terceira batida possa ser enfatizada, mas em um grau menor do que a batida forte. As batidas intensas também são chamadas de batidas fortes, enquanto as batidas não intensas são algumas vezes chamadas de batimentos fracos.
Algumas músicas enfatizam outras batidas além do tempo forte. Esse tipo de estresse é conhecido como síncope, e as batidas tão estressadas são chamadas de batidas de volta.

Parte 3 de 4: melodia, harmonia e acordes

Etapa 1. Defina a música com sua melodia

“Melody” é uma sucessão de notas que a pessoa que ouve identifica como sendo uma música coerente, baseada nos tons das notas e no ritmo com que são tocadas.

As melodias são compostas de frases, que são grupos de compassos. Essas frases podem se repetir ao longo da melodia, como na canção natalina “Deck the Halls”, onde a primeira e a segunda linhas usam a mesma sequência de compassos.
Uma estrutura de música melódica comum é ter uma melodia para um verso e uma melodia relacionada servir como refrão ou refrão.

Etapa 2. Acompanhe a melodia com harmonia

“Harmonia” é a execução de notas fora das notas da melodia para realçar ou contrastar seu som. Conforme observado anteriormente, muitos instrumentos de corda, na verdade, geram vários tons quando tocados; os sobretons que soam com o tom fundamental são uma forma de harmonia. A harmonia pode ser alcançada através do uso de frases musicais ou acordes.

As harmonias que melhoram o som da melodia são chamadas de "consoantes". Os sobretons que soam com o tom fundamental quando a corda de um violão é dedilhada são uma forma de harmonia consonantal.
Harmonias que contrastam com a melodia são chamadas de "dissonantes". Harmonias dissonantes podem ser criadas tocando várias melodias contrastantes ao mesmo tempo, como ao cantar "Row Row Row Your Boat" como uma rodada, onde cada grupo começa a cantar em um momento diferente.
Muitas canções usam a dissonância como uma forma de expressar sentimentos instáveis e gradualmente trabalhar em direção às harmonias consonantais. No exemplo da rodada de “Row Row Row Your Boat” acima, conforme cada grupo termina de cantar seu verso pela última vez, a música se torna mais calma até que o último grupo canta “Life is a dream”.

Etapa 3. Empilhe notas para formar acordes

Um acorde é formado quando três ou mais notas são tocadas, geralmente ao mesmo tempo, mas nem sempre.

Os acordes mais comuns são tríades (três notas), onde cada nota sucessiva é duas notas acima da nota anterior. Em um acorde de C maior, as notas são C (a raiz do acorde), E (a terça maior) e G (a quinta). Em um acorde de dó menor, o mi é substituído por um mi bemol (a terça menor).
Outro acorde comumente usado é o acorde de sétima, no qual uma quarta nota é adicionada à tríade, a sétima nota saindo da tônica. Um acorde de sétima C maior adiciona uma nota B à tríade C-E-G para fazer a sequência C-E-G-B. Os acordes de sétima são mais dissonantes do que as tríades.
É possível usar um acorde diferente para cada nota individual em uma música; é assim que a harmonia do quarteto de barbearia é criada. Mais comumente, no entanto, os acordes são emparelhados com as notas encontradas no acorde, como tocar um acorde de Dó maior para acompanhar a nota E em uma melodia.
Muitas músicas são tocadas com apenas três acordes, cujas notas fundamentais são a primeira, a quarta e a quinta notas em uma escala. Esses acordes são representados com os algarismos romanos I, IV e V. Na tonalidade de Dó maior, esses acordes seriam Dó maior, Fá maior e Sol maior. Freqüentemente, um acorde de sétima é substituído por um acorde de V maior ou menor, de modo que, ao tocar em Dó maior, o acorde de V seria um acorde de sol maior com sétima.
Os acordes I, IV e V estão inter-relacionados entre as tonalidades. Enquanto o acorde F maior é o acorde IV na tonalidade de F maior, o acorde Dó maior é o acorde V na tonalidade de Fá maior. O acorde de Sol maior é o acorde V na tonalidade de Dó maior, mas o acorde de Dó maior é o acorde IV na tonalidade de Sol maior. Essa inter-relação perpassa o restante dos acordes e pode ser mapeada como um diagrama denominado círculo das quintas.

Parte 4 de 4: Tipos de instrumentos musicais

Etapa 1. Golpeie ou raspe um instrumento de percussão para fazer música com ele

Os instrumentos de percussão são considerados uma das formas mais antigas de instrumento musical. A maioria é usada para criar e manter o ritmo, embora alguns possam tocar a melodia ou criar harmonias.

Os instrumentos de percussão que produzem som por meio da vibração de todo o corpo são chamados de idiofones. Isso inclui instrumentos que são tocados juntos, como pratos e castanholas, e aqueles que são tocados por outra coisa, como tambores de aço, triângulos e xilofones.
Os instrumentos de percussão com uma “pele” ou “cabeça” que vibra ao serem atingidos são chamados de membranofones. Isso inclui tambores como o tímpano, o tom-tom e o bongô, bem como instrumentos que prendem uma corda ou vara à membrana que vibra quando puxada ou esfregada, como o rugido do leão ou cuica.

Etapa 2. Sopre em um instrumento de sopro para fazer música com ele

Os instrumentos de sopro de madeira produzem som vibrando quando tocados. A maioria inclui orifícios de tom para alterar a altura do som que eles produzem, tornando-os adequados para tocar melodias e harmonias. Os sopros são divididos em dois tipos: flautas, que produzem som fazendo vibrar todo o corpo do instrumento, e tubos de junco, que vibram o material colocado dentro do instrumento. Estes são subdivididos em dois subtipos.

Flautas abertas produzem som dividindo uma corrente de ar soprada sobre a borda do instrumento. As flautas de concerto e as flautas de pan são tipos de flauta aberta.
As flautas fechadas canalizam o ar através de um duto no instrumento para dividi-lo e fazer o instrumento vibrar. O gravador e os tubos do órgão são tipos de flauta fechada.
Os instrumentos de palheta única colocam uma palheta no bocal do instrumento. Quando soprado, a palheta vibra o ar dentro do instrumento para produzir som. Clarinetes e saxofones são exemplos de instrumentos de palheta única. (Embora o corpo do saxofone seja feito de latão, ele é considerado um instrumento de sopro porque usa uma palheta para fazer seu som.)
Os instrumentos de palheta dupla usam duas palhetas de cana unidas em uma extremidade, em vez de uma única palheta. Instrumentos como o oboé e o fagote colocam a palheta dupla diretamente entre os lábios do músico, enquanto instrumentos como o crumhorn e a gaita de foles mantêm as palhetas duplas cobertas.

Etapa 3. Sopre em um instrumento de latão com os lábios fechados para fazer música com ele

Ao contrário dos instrumentos de sopro, que dependem exclusivamente de direcionar um fluxo de ar, os instrumentos de sopro vibram junto com os lábios do músico para fazer seu som. Embora os instrumentos de metal recebam esse nome porque a maioria deles é feita de metal, eles são agrupados de acordo com sua capacidade de alterar seu som, alterando a distância pela qual a corrente de ar deve viajar antes de sair. Isso é feito por meio de um de dois métodos.

Os trombones usam um slide para alterar a distância que a corrente de ar deve percorrer. Puxar o slide para fora aumenta a distância, diminuindo o tom, enquanto empurrá-lo encurta a distância, aumentando o tom.
Outros instrumentos de metal, como a trombeta e a tuba, usam um conjunto de válvulas em forma de pistões ou chaves para estender ou encurtar o comprimento do fluxo de ar dentro do instrumento. Essas válvulas podem ser pressionadas individualmente ou em combinação para produzir o som desejado.
Instrumentos de sopro e sopro são freqüentemente agrupados como instrumentos de sopro, uma vez que ambos devem ser tocados para fazer música.

Etapa 4. Faça as cordas de um instrumento de cordas vibrarem para fazer música com ele

As cordas dos instrumentos de cordas podem ser feitas para vibrar de uma das três maneiras: sendo dedilhadas (como em um violão), sendo golpeadas (como com um dulcimer martelado ou os martelos acionados por tecla em um piano), ou sendo serradas (como com o arco de um violino ou violoncelo). Os instrumentos de corda podem ser usados para acompanhamento rítmico ou melódico e podem ser divididos em três categorias:

Os alaúdes são instrumentos de cordas com corpo e braço ressonantes, como violinos, violões e banjos. Eles apresentam cordas de comprimento igual (exceto a corda grave em um banjo de cinco cordas) e espessura variável. Cordas mais grossas produzem um tom baixo, enquanto cordas finas produzem um tom mais alto. As cordas podem ser presas em pontos marcados (trastes) para efetivamente encurtá-las e aumentar seus tons.
Harpas são instrumentos de cordas cujas cordas são amarradas em uma moldura. As harpas normalmente têm cordas de comprimento progressivamente mais curto dispostas verticalmente, com a extremidade inferior da corda conectada ao corpo ressonante, ou caixa de ressonância.
Zithers são instrumentos de corda montados em um corpo. Suas cordas podem ser dedilhadas ou dedilhadas, como na harpa auto, ou tocadas diretamente, como no dulcimer martelado, ou indiretamente, como no piano.

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Pontas

Escalas maiores e menores naturais estão relacionadas de tal forma que a escala menor de uma nota chave duas notas abaixo da escala maior torna mais nítida ou achatada as mesmas notas. Assim, as teclas de dó maior e lá menor, nenhuma das quais usa sustenidos ou bemóis, compartilham a mesma armadura de clave.
Certos instrumentos e combinações de instrumentos estão associados a certos tipos de música. Por exemplo, quartetos de cordas compostos por dois violinos, uma viola e um violoncelo são normalmente usados para tocar um tipo de música clássica chamada música de câmara. As bandas de jazz normalmente apresentavam uma seção rítmica de bateria, pianos e, possivelmente, um contrabaixo ou tuba e uma seção de sopro de trompetes, trombones, clarinetes e saxofones. Pode ser divertido tocar algumas músicas com instrumentos diferentes daqueles para os quais foram projetados, como “Weird Al” Yankovic faz com suas seleções de músicas de rock tocadas no estilo polca no acordeão.